Giusto qualche giorno fa, a tre “producer” è toccato l’onore e l’onore di chiudere il Coachella, sostituendo Frank Ocean. Quegli stessi producer che, poche settimane fa avevano mandato sold out il Madison Square Garden, uno dei più grandi palazzetti al mondo, in poche ore e con pochi giorni di anticipo, suonando poi per cinque ore.
Sul palco del Coachella l’anno scorso c’era Dan Snaith, in arte Caribou, uno degli artisti elettronici più stimati e di successo dal vivo. La scorsa estate è stato headliner al Primavera ed è in giro da quasi due anni: il suo ultimo album, “Suddenly”, è uscito alla vigilia della pandemia con un tour ovviamente rimandato ma abbondantemente recuperato.
La musica elettronica è stata una parte importante della ripresa del live nel dopo pandemia. Solo per citare alcuni nomi: Four Tet, Skrillex, Fred Again ( il trio del Coachella e del MSG), John Hopkins, Moderat, Bicep. E Caribou, appunto, che tornerà in Italia per un’unica data il 13 luglio al Circolo Magnolia, accompagnato da Elkka e dal cantautore nigeriano Wayne Snow: un’anticipazione milanese del Viva! Festival, che vedrà la sua settima edizione dal 3 al 6 agosto in Valle d’Itria (Puglia). a Locorotondo.
Da Snaith ci siamo fatti spiegare come funziona la musica elettronica dal vivo oggi, come la intende lui con la sua band, se ha ancora senso opporre un “live” tradizionale alle performance con consolle.
La musica elettronica è stata una parte importante della rinascita dei live dopo la pandemia. Per esemipio sei stato headliner del Primavera l'anno scorso, poco fa i tuoi colleghi e Fred Again, Skrillex, Four Tet hanno riempito il Madison Square Garden. Cosa è successo, secondo te?
Penso che l’appetito per il ritorno della musica elettronica dal vivo e della club culture fosse inevitabile, dopo che le persone non erano state in grado di sperimentarle dopo così tanto tempo. Molte delle incredibili esperienze che abbiamo avuto sono state in parte perché avevamo una gran voglia di uscire e suonare di nuovo.
Noi stavamo per iniziare un grande tour nel marzo 2020: ci sono state diverse occasioni tra la fine del 2021 e l'inizio del 2022 quando molte band stavano ancora scegliendo di posticipare i loro tour e noi continuavamo con i nostri anche se non sapevamo con certezza a quali spettacoli sarebbe stato permesso di svolgersi. Questo è quello che è successo con il set del Primavera: gli Strokes sono stati cancellati all'ultimo minuto, lì abbiamo sempre fatto spettacoli fantastici e gli organizzatori del festival si sono rivolti a noi per riempire quel posto. È stata un'esperienza incredibile suonare davanti a quella folla enorme.
Quanto a Kieran/Four Tet: è sempre stato un maestro nel creare hype e pianificare cose insolite / che nessuno ha mai fatto prima. Oltre ad essere un notevole producer, non conosco nessuno che sia così intelligente con quel genere di cose. Sono andato agli spettacoli di Londra che loro tre hanno fatto prima degli spettacoli di New York e l'atmosfera era davvero intensa! Le persone erano entusiaste di essere lì.
L'aumento dei costi per allestire un tour internazionale non rischia di fare sì che gli artisti elettronici si concentrino sui dj set piuttosto che set dal vivo?
Potrebbe sicuramente accadere: sta diventando sempre più difficile organizzare un tour con un gruppo di musicisti, troupe, ecc. Noi siamo in una posizione molto fortunata: abbiamo raggiunto un livello in cui è possibile per noi mettere in piedi uno spettacolo con molta produzione per le dimensioni degli spettacoli che stiamo suonando e anche perché tutti noi nella band abbiamo iniziato a fare tournée al livello fai-da-te. Abbiamo ancora quella mentalità di spendere soldi solo per lo spettacolo, non per hotel o voli in business class ecc. Quando siamo in tour siamo noi quattro nella band e i nostri ingegneri del suono e delle luci per la maggior parte del tempo - nessun equipaggio extra. Il pubblico può vederci sistemare la nostra attrezzatura prima dello spettacolo. Oltre ovviamente ad essere un modo per risparmiare denaro, mi piace anche che invii un segnale al pubblico: siamo le persone che lo fanno accadere e minano tutte le sciocchezze del mondo dello spettacolo sull'irraggiungibilità dei musicisti ecc. Voglio colmare il divario tra noi e il pubblico il più possibile. Sicuramente penso che l'ascesa del singolo producer piuttosto che di una "band" con molti musicisti coinvolti sia anche in parte il risultato della difficoltà di guadagnarsi da vivere come musicisti sia sul lato delle registrazioni che su quello dei tour.
Come costruisci i tuoi live set e come esegui canzoni che hanno molti elementi elettronici e/o sample?
Realizzare uno spettacolo dal vivo per me è sempre stato una sorta di processo di reverse engineering: creo personalmente tutte le tracce in studio e poi devo capire come tradurle al meglio in un'esibizione dal vivo per una band. Fortunatamente, lo facciamo da così tanto tempo ormai che siamo abbastanza bravi a sapere qual è il modo migliore per tradurre le cose. Fortunatamente anche la tecnologia si è evoluta tanto dal 2003, quando abbiamo iniziato: non siamo più così limitati, oggi possiamo fare molte cose che altrimenti non sarebbero possibili.
Con una tastiera midi o drum pad ecc. puoi generare un'elaborazione di suoni elettronici dal vivo, praticamente tutto ciò che potrei fare in studio. Ma siamo anche orientati al tradurre quante più parti possibili in chitarra, basso, batteria acustica, in modo che le persone possano davvero sentire che stiamo suonando tutto dal vivo e interagendo come una vera band piuttosto che proporre il tipo di riproduzione che è piuttosto comune di questi tempi.
Spero che il pubblico possa percepirlo - e anche che ci sia la possibilità che le cose vadano male, dato che stiamo suonando insieme dal vivo per davvero... Spero che questo aggiunga entusiasmo allo show.
Una parte del pubblico pop-rock può pensare al “live” come ad un artista che si esibisce con strumenti "tradizionali". Il sottotesto di chi ragiona in questo modo è che "l'elettronica dal vivo non è un vero live”. Pensi che questa polarizzazione sia ancora valida o sia diventata obsoleta?
Penso che tu abbia ragione sul fatto che questo modo di pensare binario sia diventato obsoleto. Puoi creare una performance espressiva dal vivo tramite uno strumento elettronico / un software controllato dall’hardware, così come lo puoi fare con uno strumento tradizionale. Tuttavia, è anche diventato molto comune usare solo la riproduzione e non fare molto in termini di performance dal vivo.
Ero al Coachella l'anno scorso: quando andavo in giro a guardare i o vari artisti, mi sono reso conto che nessuno di loro stava cantando dal vivo - era tutto un playback, almeno gli artisti che ho visto io. Mi sono reso conto che anche se probabilmente ero uno dei cantanti meno capaci della line-ip, ero uno dei pochi che cantava davvero! Mi è sembrato divertente.
Il pubblico percepisce questa differenza tra live e playback?
Ho la sensazione che al pubblico importi meno se un gruppo elettronico stia suonando dal vivo o facendo il dj: l’attenzione è più concentrata sull'ascoltare le tracce che vuoi ascoltare nel modo in cui ti aspetti che vengano suonate e sull'esperienza tra la gente. Non voglio essere una vecchia persona scontrosa che dice 'è meglio così' o 'era meglio ai miei tempi’, ma mi piace quando suoniamo dal vivo, mettiamo molta attenzione nell'assicurarci che lo spettacolo sia il più vivo umanamente possibile. Ci sono infiniti momenti in cui stiamo facendo lo spettacolo in cui pensiamo 'beh, potremmo fare in modo che questo cambiamento avvenga automaticamente dopo un certo numero di battute o potremmo assicurarci che qualcuno debba fare qualcosa / attivare qualcosa per apportare il cambiamento' e scegliamo sempre quest'ultima opzione, anche se significa che c'è più possibilità che le cose vadano male... ma c'è anche più possibilità per noi di cambiare lo spettacolo e improvvisare durante lo spettacolo. Spero che le persone se ne accorgano mentre guardano.
Pensi ci sia una scena elettronica che è diventata mainstream, ma con musica che non è necessariamente pop come l'EDM?
Penso che questo sia in continua evoluzione - certamente la cultura della musica elettronica e dance è mainstream in termini di popolarità in molti luoghi del mondo e il tipo di musica elettronica che fa parte di quel mainstream varia al variare dei gusti. Inoltre, le idee e i suoni della produzione di musica elettronica sono stati assorbiti nella musica genuinamente mainstream - rap, pop, ecc., così tanto che ho difficoltà a capire dove tracciare i confini fra "underground" e "mainstream", e c'è bisogno di farlo. Ci sono sicuramente alcune parti del mondo della musica elettronica in cui si tratta di mettere dei confini su una sottocultura o una scena - e questo ha alcune virtù (solidarietà, unità di intenti/suono, ecc.) ma per la maggior parte non penso sia così; il tuo ascoltatore di musica medio non guarda più il mondo. Il momento contemporaneo sembra più un momento in cui le persone considerano tutta la musica - nuova, vecchia, popolare, di nicchia, ecc. - seduta l'una accanto all'altra.
Di recente hai rispolverato il tuo alias più elettronico, Daphni, pubblicando l'album "Cherry". Come è successo?
Ad essere onesto, non ci penso troppo quando faccio musica Daphni e quando faccio musica Caribou. Tendo ad essere ciclico - se finisco un album o un tour dei Caribou potrei iniziare a fare musica che è più improvvisata o jam e strumentale... o più funzionale nel senso che la sto facendo per un prossimo DJ set e che nella mia mente è musica Daphni e finisce per essere pubblicata come tale. O dopo aver suonato molto come DJ, a volte comincio a perdere le strutture delle canzoni e poi faccio più musica incentrata su Caribou. Oscilla avanti e indietro come un pendolo. Quindi con il recente album di Daphni "Cherry" avevo notato che avevo fatto un mucchio di musica che sembrava libera e improvvisata e che tutto stava bene insieme e quindi ho deciso che aveva senso come disco dei Daphni.
In termini di pubblicazione ci sono delle differenze?
Riguarda anche il modo in cui viene promosso : Caribou è un'operazione più grande, con lo spettacolo dal vivo e le etichette discografiche coinvolte... è molto più un juggernaut che richiede una certa premeditazione. La musica di Daphni è autoprodotta sulla mia etichetta e non richiede una pianificazione nello stesso modo, quindi si completano e si contrastano anche in questo modo.
Come scegli i campioni, specialmente quelli vocali, e come decidi di usarli per canzoni e progetti specifici? E come decidi quando è meglio cantare direttamente una parte vocale?
Qualsiasi decisione musicale come questa (o in generale) è solo una decisione istintiva. Sono un ascoltatore di musica e un fan prima di tutto, quindi la scoperta avviene quasi sempre quando ascolto la musica e qualcosa mi salta all'occhio per come suona eccitante o mi fa chiedere come suonerebbe in loop o elaborato in qualche modo. Per quanto riguarda ciò che funziona meglio con la mia voce rispetto a un campione vocale o un altro cantante, ancora una volta si tratta principalmente di tentativi ed errori. Ho una gamma vocale piuttosto limitata e la mia voce suona sempre allo stesso modo, quindi proverò a cantare su un'idea, ma se non si adatta nel modo giusto, ringrazierò per altre opzioni che potrebbero funzionare meglio.
Sei stato in tour per un bel po' di tempo, l'ultimo album di Caribou è stato pubblicato 3 anni fa. Cosa succede ora?
Ho un sacco di pezzi finiti a metà per un nuovo disco di Caribou. Questo è ciò su cui sto impiegando il mio tempo a lavorare al momento ed è stato emozionante tornare a fare nuova musica dopo così tanto tempo in tour. Le nostre ultime date del tour sono state in Australia nel dicembre 2022 e abbiamo solo una manciata di spettacoli nel 2023, quindi ho molto tempo per lavorare alla registrazione di nuova musica... che è sempre un posto felice in cui ritrovarmi!